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07/01/2025
26/11/2024
La legge è uguale per tutti? “Giurato n. 2” di Clint Eastwood
Il vecchio Clint, a novantaquattro anni, non sbaglia un colpo. Giurato n. 2 (Juror #2, 2024), la recente pellicola realizzata da Eastwood, è un riuscitissimo affresco della società e della mentalità statunitense. È un film giudiziario che inchioda e attanaglia lo spettatore: da una parte c’è un gruppo di giurati chiamati a decretare l’innocenza o la colpevolezza in un processo di omicidio, dall’altra c’è l’imputato, James Sythe (Gabriel Basso), che già aveva avuto a che fare con la giustizia, soprattutto per motivi di droga. Per cui, sulla sua colpevolezza, non ha dubbi l’avvocata Faith Killebrew (Toni Collette), che lo vuole inchiodare. Nella giuria c’è invece Justin Kemp (che ha lo sguardo glaciale di Nicholas Hoult), un giovane padre di famiglia (con problemi di alcool alle sue spalle), che comincia a instillare nei giurati alcuni ‘ragionevoli dubbi’. Lo sguardo attento del regista si focalizza su uno spaccato sociale degli Stati Uniti contemporanei – la cittadina di Savannah, in Georgia – che assume un valore quasi universale. La legge è uguale per tutti? – si chiede Clint, neanche troppo sotto le righe; chissà. Perché James Sythe, fin dall’inizio, appare marchiato come colpevole dell’omicidio della sua compagna Kendall (ma sui particolari della trama non vorremmo svelare di più): a decretarlo non è soltanto l’avvocata Killebrew, è l’intera società, sulla quale la statua della dea Giustizia, bendata, svetta in alcune immagini che ritraggono dall’esterno il palazzo del tribunale. Seguendo un modello narrativo che molto deve a La parola ai giurati (12 Angry men, 1957) di Sidney Lumet, il film tende a insinuare l’elemento del dubbio che, all’inizio, sembrava non sussistere minimamente.
Ma, come già detto, il personaggio di James appare condannato fin dall’inizio soltanto per il fatto di essere un ‘marginale’, un individuo che conduce la sua esistenza lontano dalla parvenza di perbenismo che sembra avvolgere tutti gli altri. Certo, fra i giurati c’è anche un afroamericano che non sembra passarsela troppo bene, c’è anche un giovane un po’ ‘strafatto’, mentre lo stesso Justin è un alcolista ma tutti fanno parte di un mondo in cui le apparenze valgono più delle essenze, se così si può dire: vengono tutti da un mondo che esalta il perbenismo familistico statunitense. E, in provincia, tale sentimento perbenista sembra essere anche ben più radicato, quella stessa provincia che recentemente ha scelto ancora una volta il vecchio e rassicurante (per loro) Donald Trump. Perché questo mondo ha una paura matta di qualsiasi diverso e James Sythe è un diverso, bollato come tossico, ubriacone, violento, capacissimo di uccidere la propria compagna, un tipo poco raccomandabile per la mentalità dei giurati, per l’avvocata Killebrew, per quella stessa società che ha portato ancora una volta Trump al soglio presidenziale (ma avrebbe portato indifferentemente anche la Harris). Il film prosegue con un ritmo teso, senza mai allentare la presa sull’attenzione dello spettatore, con improvvisi e inaspettati colpi di scena.
La dimensione teatrale fortemente presente in La parola ai giurati – ma anche in un altro capolavoro di cinema giudiziario come Testimone d’accusa (Witness for the Prosecution, 1957) di Billy Wilder – nel film di Clint si stempera in una trama più dinamica, che segue i personaggi nelle loro vicende e nei loro spostamenti, soprattutto Justin Kemp. Quella provincia in cui si muovono i personaggi, con le sue case perfette e ben tenute, coi loro perfetti giardini dove si annidano perfette famiglie assomiglia tanto a quella che vediamo, ad esempio, nel riuscito horror Barbarian (2022) di Zach Cregger, ambientato nell’hinterland di Detroit, con le sue case accoglienti, tutte allineate una accanto all’altro ma che celano un orrore indicibile fatto di incesti e abusi che emerge dal passato, direttamente dagli anni Ottanta di reaganiana memoria. E non è un caso che la periferia di Detroit, in cui si sono trasferiti in massa immigrati asiatici, sia anche lo sfondo che vediamo in un altro grande film di Eastwood, Gran Torino (2008), che Walt Kowalski (lo stesso Eastwood) percorre con la sua Ford Gran Torino del 1972.
È un universo tremendamente ‘normale’ quello che vediamo in Giurato n. 2, un mondo regolato – sembra – in modo perfetto e meccanico da una Legge che è uguale per tutti. Ma è anche una legge che, kafkianamente, lascia fuori dalla sua porta chi è ‘anomalo’ o ‘diverso’, chi devia in qualche modo dai suoi dettami, che sono, poi, i dettami su cui si fonda la società benpensante di cui si è parlato. Ma, poi, sarà davvero uguale per tutti questa legge?
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Ma, come già detto, il personaggio di James appare condannato fin dall’inizio soltanto per il fatto di essere un ‘marginale’, un individuo che conduce la sua esistenza lontano dalla parvenza di perbenismo che sembra avvolgere tutti gli altri. Certo, fra i giurati c’è anche un afroamericano che non sembra passarsela troppo bene, c’è anche un giovane un po’ ‘strafatto’, mentre lo stesso Justin è un alcolista ma tutti fanno parte di un mondo in cui le apparenze valgono più delle essenze, se così si può dire: vengono tutti da un mondo che esalta il perbenismo familistico statunitense. E, in provincia, tale sentimento perbenista sembra essere anche ben più radicato, quella stessa provincia che recentemente ha scelto ancora una volta il vecchio e rassicurante (per loro) Donald Trump. Perché questo mondo ha una paura matta di qualsiasi diverso e James Sythe è un diverso, bollato come tossico, ubriacone, violento, capacissimo di uccidere la propria compagna, un tipo poco raccomandabile per la mentalità dei giurati, per l’avvocata Killebrew, per quella stessa società che ha portato ancora una volta Trump al soglio presidenziale (ma avrebbe portato indifferentemente anche la Harris). Il film prosegue con un ritmo teso, senza mai allentare la presa sull’attenzione dello spettatore, con improvvisi e inaspettati colpi di scena.
La dimensione teatrale fortemente presente in La parola ai giurati – ma anche in un altro capolavoro di cinema giudiziario come Testimone d’accusa (Witness for the Prosecution, 1957) di Billy Wilder – nel film di Clint si stempera in una trama più dinamica, che segue i personaggi nelle loro vicende e nei loro spostamenti, soprattutto Justin Kemp. Quella provincia in cui si muovono i personaggi, con le sue case perfette e ben tenute, coi loro perfetti giardini dove si annidano perfette famiglie assomiglia tanto a quella che vediamo, ad esempio, nel riuscito horror Barbarian (2022) di Zach Cregger, ambientato nell’hinterland di Detroit, con le sue case accoglienti, tutte allineate una accanto all’altro ma che celano un orrore indicibile fatto di incesti e abusi che emerge dal passato, direttamente dagli anni Ottanta di reaganiana memoria. E non è un caso che la periferia di Detroit, in cui si sono trasferiti in massa immigrati asiatici, sia anche lo sfondo che vediamo in un altro grande film di Eastwood, Gran Torino (2008), che Walt Kowalski (lo stesso Eastwood) percorre con la sua Ford Gran Torino del 1972.
È un universo tremendamente ‘normale’ quello che vediamo in Giurato n. 2, un mondo regolato – sembra – in modo perfetto e meccanico da una Legge che è uguale per tutti. Ma è anche una legge che, kafkianamente, lascia fuori dalla sua porta chi è ‘anomalo’ o ‘diverso’, chi devia in qualche modo dai suoi dettami, che sono, poi, i dettami su cui si fonda la società benpensante di cui si è parlato. Ma, poi, sarà davvero uguale per tutti questa legge?
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13/12/2020
The Liberator
di Nico Maccentelli
Tra i war movie di ultima generazione, The Liberator, questa produzione di fresca realizzazione (2020) e disponibile su Netflix, è certamente una novità per l’utilizzo della Trioscope Enhanced Hybrid Animation, una tecnica di animazione che si basa sull’ibridazione tra riprese dal vivo e computer grafica. Il risultato può piacere, ma può lasciare anche interdetti, anche se abituati alla visione dopo i primi minuti sembrerà di vedere un live vero e proprio.
Ma al di là della tecnica, che certamente ha giovato al portafogli dei produttori per le economie di ripresa, location e ambientazione, questa miniserie in otto puntate riprende lo schema tipico di film sulla seconda guerra mondiale ben blasonati come Patton o Il Grande Uno Rosso: il battaglione che viene spedito nei vari scenari bellici e che si destreggia tra SS spietate e soldati della Wermacht con efficienti capacità belliche. Non certo i pivelli teutonici dei fumetti di Eroica letti da bambini, che cadevano tra un “teufel” e un “donnerwetter”. Qui c’è la guerra vera, con le sue vicende ed epiloghi individuali che non guardano in faccia a nessuno.
Un aspetto che rende interessante The Liberator è che siamo in presenza di un battaglione di reietti, composto da nativi pellerosse e da messicani, sostenuti ad amorevoli scarpate in bocca dal solito ufficiale rigorosamente wasp, ma comprensivo e cameratesco. Una chiave che funziona visto che di pellerosse prestati alla guerra dello zio Sam contro Hitler o il Sol Levante ormai ne abbiamo un florilegio: dal navajo Charlie Whitehorse in Windtalkers di John Woo al pima Ira Hayes in Flags of our fathers di Clint Eastwood.
La storia, ovviamente romanzata ma tratta da una vicenda vera, ci parla del viaggio dell’inossidabile capitano Felix Sparks nei vari teatri di guerra europei, con un ricambio costante della sua truppa, per prematura dipartita a miglior vita di quasi tutti i suoi soldati.
Dalla Sicilia ad Anzio, dal sud della Francia ai gelidi monti tedeschi, fino a Dachau, il nucleo essenziale come ogni film di guerra che si rispetti è il cameratismo, l’amicizia oltre ogni limite, fino all’estremo sacrificio. Quindi anche in questo caso una buona dose di retorica non manca. Del resto ce la siamo ritrovata anche negli ultimi kolossal come Dunkirk e 1917.
Difficilmente si può vedere un film di guerra che non tocchi queste corde, le uniche che possano rendere vagamente (e aggiugerei vanamente) accettabile la signora carneficina per eccellenza in ogni epoca della storia. Forse Clint Eastwood con l’elegiaco Lettere da Iwo Jima ha potuto salvarsi con l’espediente riuscito di un’ottica completamente ribaltata: la guerra vista dal nemico, ossia dai giapponesi. Ma esce dal coro guerrafondaio anche Quentin Tarantino con Bastardi senza gloria: una riuscitissima parodia del nazismo, letteralmente antifa e di totale fantasia che mette insieme guerra, Resistenza, giustizialismo e un teatro che va a fuoco con strage di alti papaveri del Reich, Hitler incluso, e che fa fare a Brad Pitt una figura migliore che in Fury. Del resto, a un carrista eroe è sempre preferibile un implacabile giustiziere di nazi.
Comunque, nonostante i limiti patriottardi e camerateschi, The Liberator per gli amanti del genere è assolutamente godibile e soddisfa anche i palati più antifascisti, ossia coloro che giustamente storcono il naso nel riscontrare forti vocazioni paranaziste nella gran parte dei war movie di attualità (ma dove sono finiti i Platoon di Olver Stone? E i Full Metal Jacket di Stanley Kubrick?), certamente più tecnologici, ma con la sfiga di descrivere le aggressioni macellaie d’oggi giorno compiute dall’esercito dello Zio Sam dall’Iraq alla Siria nel nome di una vantata “superiorità democratica e di civiltà”.
Insomma: l’epopea della guerra al nazifascismo, vista con il filtro della storicizzazione, anche se fu guerra tra imperialismi e grande macelleria anch’essa di popoli, è diventata un rifugio delle coscienze critiche, ossia di coloro che non digeriscono le immonde tragedie delle guerre contemporanee e in questa trovano valori positivi, a partire dai legami con le Resistenze antifasciste.
Qualche riga su chi realizzato questa produzione. Jeb Stuart anzi tutto, regista e al tempo stesso creatore di questa mini serie e autore dello script: è una collaudata certezza. Infatti, tra sceneggiature e regie, da Linea di sangue al Fuggitivo a Trappola di cristallo, ha sempre sfornato prodotti di buona qualità. E sembra riprendersi dopo una periodo di ferma durato una decina d’anni.
Il cast vede Bradley James nei panni del capitano Sparks. Di questo attore britannico si è visto ancora poco ma di qualità: da Arthur Pendragon in Merlin a Giuliano de’ Medici ne I Medici. Il Trioscope non altera l’espressività e la cifra attoriale degli interpreti e certamente vanno menzionati anche Josè Miguel Vasquez, Martin Sensmeier, Finney Cassidy, poco conosciuti come del resto tutti gli altri attori, ma che in complesso ci regalano avvincenti cammei.
Fonte
Tra i war movie di ultima generazione, The Liberator, questa produzione di fresca realizzazione (2020) e disponibile su Netflix, è certamente una novità per l’utilizzo della Trioscope Enhanced Hybrid Animation, una tecnica di animazione che si basa sull’ibridazione tra riprese dal vivo e computer grafica. Il risultato può piacere, ma può lasciare anche interdetti, anche se abituati alla visione dopo i primi minuti sembrerà di vedere un live vero e proprio.
Ma al di là della tecnica, che certamente ha giovato al portafogli dei produttori per le economie di ripresa, location e ambientazione, questa miniserie in otto puntate riprende lo schema tipico di film sulla seconda guerra mondiale ben blasonati come Patton o Il Grande Uno Rosso: il battaglione che viene spedito nei vari scenari bellici e che si destreggia tra SS spietate e soldati della Wermacht con efficienti capacità belliche. Non certo i pivelli teutonici dei fumetti di Eroica letti da bambini, che cadevano tra un “teufel” e un “donnerwetter”. Qui c’è la guerra vera, con le sue vicende ed epiloghi individuali che non guardano in faccia a nessuno.
Un aspetto che rende interessante The Liberator è che siamo in presenza di un battaglione di reietti, composto da nativi pellerosse e da messicani, sostenuti ad amorevoli scarpate in bocca dal solito ufficiale rigorosamente wasp, ma comprensivo e cameratesco. Una chiave che funziona visto che di pellerosse prestati alla guerra dello zio Sam contro Hitler o il Sol Levante ormai ne abbiamo un florilegio: dal navajo Charlie Whitehorse in Windtalkers di John Woo al pima Ira Hayes in Flags of our fathers di Clint Eastwood.
La storia, ovviamente romanzata ma tratta da una vicenda vera, ci parla del viaggio dell’inossidabile capitano Felix Sparks nei vari teatri di guerra europei, con un ricambio costante della sua truppa, per prematura dipartita a miglior vita di quasi tutti i suoi soldati.
Dalla Sicilia ad Anzio, dal sud della Francia ai gelidi monti tedeschi, fino a Dachau, il nucleo essenziale come ogni film di guerra che si rispetti è il cameratismo, l’amicizia oltre ogni limite, fino all’estremo sacrificio. Quindi anche in questo caso una buona dose di retorica non manca. Del resto ce la siamo ritrovata anche negli ultimi kolossal come Dunkirk e 1917.
Difficilmente si può vedere un film di guerra che non tocchi queste corde, le uniche che possano rendere vagamente (e aggiugerei vanamente) accettabile la signora carneficina per eccellenza in ogni epoca della storia. Forse Clint Eastwood con l’elegiaco Lettere da Iwo Jima ha potuto salvarsi con l’espediente riuscito di un’ottica completamente ribaltata: la guerra vista dal nemico, ossia dai giapponesi. Ma esce dal coro guerrafondaio anche Quentin Tarantino con Bastardi senza gloria: una riuscitissima parodia del nazismo, letteralmente antifa e di totale fantasia che mette insieme guerra, Resistenza, giustizialismo e un teatro che va a fuoco con strage di alti papaveri del Reich, Hitler incluso, e che fa fare a Brad Pitt una figura migliore che in Fury. Del resto, a un carrista eroe è sempre preferibile un implacabile giustiziere di nazi.
Comunque, nonostante i limiti patriottardi e camerateschi, The Liberator per gli amanti del genere è assolutamente godibile e soddisfa anche i palati più antifascisti, ossia coloro che giustamente storcono il naso nel riscontrare forti vocazioni paranaziste nella gran parte dei war movie di attualità (ma dove sono finiti i Platoon di Olver Stone? E i Full Metal Jacket di Stanley Kubrick?), certamente più tecnologici, ma con la sfiga di descrivere le aggressioni macellaie d’oggi giorno compiute dall’esercito dello Zio Sam dall’Iraq alla Siria nel nome di una vantata “superiorità democratica e di civiltà”.
Insomma: l’epopea della guerra al nazifascismo, vista con il filtro della storicizzazione, anche se fu guerra tra imperialismi e grande macelleria anch’essa di popoli, è diventata un rifugio delle coscienze critiche, ossia di coloro che non digeriscono le immonde tragedie delle guerre contemporanee e in questa trovano valori positivi, a partire dai legami con le Resistenze antifasciste.
Qualche riga su chi realizzato questa produzione. Jeb Stuart anzi tutto, regista e al tempo stesso creatore di questa mini serie e autore dello script: è una collaudata certezza. Infatti, tra sceneggiature e regie, da Linea di sangue al Fuggitivo a Trappola di cristallo, ha sempre sfornato prodotti di buona qualità. E sembra riprendersi dopo una periodo di ferma durato una decina d’anni.
Il cast vede Bradley James nei panni del capitano Sparks. Di questo attore britannico si è visto ancora poco ma di qualità: da Arthur Pendragon in Merlin a Giuliano de’ Medici ne I Medici. Il Trioscope non altera l’espressività e la cifra attoriale degli interpreti e certamente vanno menzionati anche Josè Miguel Vasquez, Martin Sensmeier, Finney Cassidy, poco conosciuti come del resto tutti gli altri attori, ma che in complesso ci regalano avvincenti cammei.
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24/02/2019
The Mule, di Clint Eastwood
Tuttavia nell’ultima versione della maschera-totem di Clint Eastwood, il vecchio arcigno, rancoroso e pugnace di Gran Torino ha oltrepassato la soglia della grande vecchiata, si avvia verso i 90. Ubbidendo alle regole non scritte della regressione senile si è ammorbidito, intenerito addirittura, ed è anche imploso fisicamente, lasciando crollare la muscolatura del suo proverbiale fisicaccio novecentesco in un involucro cadente, e gracile.
A dire il vero intenerito è un po’ una riduzione comica. Il personaggio di Earl Stone, floricultore che vede il proprio lavoro andare in rovina per la crisi economica e l’avvento dell’e-commerce, non rinuncia ai suoi storici vizi: trascura totalmente la famiglia, non rispetta mai né un anniversario né la cresima né la comunione e persino il matrimonio della figlia, che smette addirittura di parlargli. Lui è dispiaciuto, ma non ne fa un dramma. E’ sempre stato interessato soprattutto al lavoro, ai viaggi, ma senza disdegnare le feste, le bisbocce e, perché no, i sollazzi con le prostitute, meglio se in coppia. Se si presenta a casa della moglie e della figlia viene immediatamente aggredito con una sequela di accuse, che lui ascolta con la maschera pietrificata e sofferente, ma si riprende in fretta. C’è sempre qualcosa da fare, anche se la sua casa, con la serra e il terreno per i fiori, è finita sotto sequestro giudiziario.
Non sappiamo se la curiosa omonimia col personaggio di Asimov, il temibile telepate che combatte la Fondazione, sia casuale, però qualche punto di contatto c’è: entrambi sono dei grandi manipolatori delle menti altrui. Infatti Earl, con battute affilate, obbliga i suoi interlocutori a entrare in empatia con lui. Quando cade nella trappola del Cartello di Sinaloa riesce a farsi amici i più spietati assassini, che dapprima lo minacciano di morte ma poi ci scherzano e lo rispettano.
Perché accade questo: Earl ha viaggiato in lungo e in largo per l’America a bordo di un vecchio pick-up senza prendere mai una multa. E’ un guidatore leggendario, e la sua fama attira l’attenzione di un cacciatore di teste del cartello, che ha sempre bisogno di corrieri per movimentare la cocaina. Così gli viene proposto “un lavoro”, portare una borsa da uno stato all’altro. Deve caricarla in un garage, che è sempre chiuso con all’interno dei tagliagole messicani armati (che ovviamente diventano presto suoi amici), e guidare fino a un motel, dove lascerà il pick-up nel parcheggio con le chiavi nel cruscotto. Poi tornerà a riprenderlo e nel cruscotto troverà le chiavi e una busta col suo compenso.
Earl è perplesso, ma non approfondisce. C’è in lui una superficiale amoralità che lo porta a sorvolare sui dettagli, senza fare domande scomode. Intanto le borse diventano due, poi tre, e i compensi aumentano. Poi, un giorno, decide di soddisfare la sua curiosità e ne apre una: vede i pacchi di coca, resta basito, come quando le sue donne lo insultano, ma come allora per un attimo diventa un cartoon, sempre integro qualunque cosa accada. Così chiude borsa e baule e riprende il viaggio.
E’ uno generoso, uno splendido, usa i soldi per ristrutturare il locale di un amico andato a fuoco, poi paga gli studi alla nipote, nel tentativo di recuperare il rapporto con la famiglia, il cui esito costituisce, lo scoprirà verso la fine, il vero fallimento della sua vita.
Ovviamente il tutto si complica. E come non potrebbe in una vicenda così pericolosa? Il boss del cartello, interpretato da un quasi irriconoscibile Andy Garcia, che neanche a dirlo gli è diventato amico, viene assassinato da una specie di macellaio, che prende il potere. Inoltre la Dea sa del corriere insospettabile, ed è sulle sue tracce. Tutto il suo piccolo mondo, i viaggi piacevoli attraverso aree desertiche o in una immensa piantagione di alberi da frutto, cantando a squarciagola in una sorta di interminabile karaoke, è minacciato. Ora al buonumore, e ai sollazzi nel motel con prostitute messicane super dotate, si sostituisce la paura. Non gli resta che avviarsi verso il finale, accettando qualunque piega prenda il suo destino.
The Mule è un film gradevole, lineare, senza grandi colpi di scena, ma ben organizzato, con una storia che fila, un grande interprete che è anche regista, spiritoso ma che sta alla larga dalla pestifera commedia americana, con incursioni nel crime (e come potrebbe Callaghan negarsi una dose di violenza e di armi?), nel fumetto (il cartello, la vicenda un po’ surreale, anche se è tratta dalla vera storia di Leo Sharp, i personaggi, gli ambienti) e un irrinunciabile, epico eroismo, che il vecchio reazionario, nella sua illusione di un mai estinto far west di eroi senza macchia, si porta dietro come una seconda pelle.
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06/02/2015
Perché American Sniper non è un film “contro la guerra”
Nell'acceso dibattito che ha suscitato l'uscita dell'ultimo film di Clint Eastwood American Sniper, vale la pena analizzare una particolare affermazione del regista[1], fatta propria da diversi commentatori, quella cioè secondo cui l'opera in questione sarebbe “contro la guerra”. Si tratta di un'affermazione controversa perché non mancano elementi per sostenere che American Sniper mostri le atrocità e gli orrori della guerra in Iraq. Cercherò qui brevemente di dimostrare come, nonostante ciò, il messaggio “pacifista” (volendo credere alla buona fede del regista) fallisca clamorosamente l'obbiettivo.
Innanzitutto è necessario mettere in chiaro che quella cui ricorre Eastwood è una narrazione assolutamente unilaterale. Il film infatti si basa sull'omonima autobiografia di Chris Kyle, tiratore scelto dei Navy SEALS, veterano dell'ultima guerra degli Stati Uniti in territorio iracheno e vera e propria leggenda per l'esercito statunitense. Si tratta di una narrazione unilaterale perché il regista fa sì che il racconto venga filtrato solo e soltanto dal punto di vista del protagonista, senza concedere allo spettatore un'angolazione diversa da cui guardare i fatti. Perciò, stando a quanto ci viene raccontato, la guerra in Iraq sarebbe diretta e giusta conseguenza degli attentati dell'11 settembre 2001 al World Trade Center e al Pentagono, nonostante più di dieci anni di controinformazione e lavoro culturale abbiano dimostrato la totale estraneità del governo iracheno a quei fatti. Nel film non viene nemmeno bisbigliata la parola “petrolio”...
La parzialità del racconto è imbarazzante poi nella raffigurazione del “nemico”, la popolazione irachena. Edward Said avrebbe certamente avuto parole di fuoco per lo sfacciato orientalismo con cui vengono dipinti gli abitanti di Falluja, ridotti a delatori, approfittatori e banditi - come se non bastasse l'arroganza dei soldati statunitensi, Kyle compreso, nel chiamarli “selvaggi” per tutta la durata del film -. A ben vedere, lo spettatore è costretto a guardare i personaggi iracheni da una grande distanza morale, a vederli da lontano e dall'alto, come inquadrati dal mirino telescopico della propria supremazia occidentale.
Per quanto riguarda gli effetti della guerra sulle famiglie e sugli individui, non si può affermare che American Sniper ne censuri le conseguenze più devastanti, dal dolore per i caduti ai terribili traumi fisici e mentali cui sono costretti a vivere i reduci. Ma per come è costruito il film, la denuncia degli orrori della guerra viene completamente cambiata di senso.
Ricapitolando: l'intervento statunitense in Iraq è stato inevitabile per combattere il terrorismo ed esportare la democrazia tra i “selvaggi”; questi, se si ribellano, non sono altro che terroristi fiancheggiatori di Al-Qaida. Ne consegue, perciò, che le stragi e le mutilazioni subite da uomini, donne e bambini sono giustificabili in quanto prezzo da pagare per la pace e la libertà. Questa è la cornice ideologica in cui è inscritta la presunta critica pacifista.
C'è da chiedersi per quale motivo un film contro la guerra si concentri unicamente sull'esperienza e sul dolore della parte americana: perché non raccontare la tragedia vissuta anche dal punto di vista iracheno? Se davvero l'intento era quello di far riflettere il pubblico riguardo alla sconfitta morale ed etica degli Stati Uniti dinnanzi a tutto il mondo, perché non criticare nemmeno velatamente la politica guerrafondaia dell’establishment americano, qualunque sia il colore predominante al Congresso, che pratica destabilizzazione sistemica in Medio Oriente e tenta in tutti i modi di estendere e armare i confini della Nato ad est della “Nuova Europa”.
Il messaggio che si ricava da American Sniper non sembra quindi un giusto e nitido attacco alla politica statunitense, della quale sono vittime anche i giovani reclutati nei quartieri dormitorio delle metropoli americane, magari con la speranza di una borsa di studio per il college[2] ed un futuro dignitoso. Sembra piuttosto l'esaltazione del sacrificio per la patria, la più classica giustificazione del massacro di intere generazioni sull'altare dell'imperialismo. Per quanto Eastwood si sforzi di esprimere la feroce logica della guerra, non sembra esserci possibilità di riflessione critica durante la visione di un film che parla “alla pancia” del pubblico, che solletica gli animi più violentemente colonialisti e razzisti, e impedisce qualsiasi empatia verso il popolo iracheno.
Di Marco Montanarella (Noi Restiamo)
[1]http://www.lastampa.it/2015/01/26/spettacoli/eastwood-risolve-il-mistero-il-mio-film-contro-la-guerra-adDZC7uEnQXkFS0ukcEXVO/pagina.html
[2]Si rimanda al celebre film-documentario di Michael Moore Fahrenheit 9/11
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