Avere vent'anni: Slayer - 2006 - Christ Illusion

L’album di cui mi accingo a scrivere è molto significativo per me. Mi ero completamente rotto i coglioni di quel che usciva in ambito metal, e meditavo di far piazza pulita in una cameretta che oramai assomigliava a un deposito di dischi fuori controllo, per quanto fosse tenuta in maniera ordinata. Lo feci, recuperai metri quadri lì dentro. Per i due anni a seguire non avrei comperato neanche un disco, né atteso un’uscita discografica: una disintossicazione completa che durò fino al giorno che mi incuriosii, più per rispetto che per altro, a quel ritorno alla decenza che corrispondeva al titolo di Death Magnetic. Tornando a ritroso, l’inizio di quel breve periodo di desaturazione dal metal fu il giorno che dissi: “Compro Christ Illusion perché sono gli Slayer e perché è rientrato Dave Lombardo, ma è l’ultimo che compro”.

L’album mi trasmise un’esaltazione tale da arrivare vicino a ripensarci e rimanere sulla barca, sebbene fossero gli anni peggiori che io ricordi a un livello strettamente discografico. A dire il vero un po’ li rimpiango, perché tutte le cariatidi che oggi si tengono strette il posto fisso da headliner ai festival all’epoca avevano quarant’anni o poco più ed erano perlomeno presentabili nell’aspetto, nella credibilità così come nella tenuta del palco. Gli Slayer erano fra questi. Nessuno sospettava che sarebbe morto Jeff Hanneman, erano trattati alla stregua di un gruppo maturo ma che poteva ancora offrirci qualcosa. Dovevano solo chiuderla in qualche maniera con i modernismi tipici dell’ultima tranche di carriera.

Dave Lombardo era rientrato per la seconda volta in formazione, al termine di un tam tam mediatico che ci aveva fatto sospettare fossero sul punto di assumere quello dei Fear Factory, quello dei Misery Index o comunque qualcuno che perfino cani e porci avrebbero ritenuto inadatto. Era come una barzelletta in cui fanno i colloqui per un posto da elettricista e si presentano un idraulico, un panettiere e un artista di strada che fa i giochi con le bolle. Fortunatamente tornò lui: questo significava che un giorno sarebbero giunti nuovamente allo scazzo e all’astio, ma intanto ce lo saremmo tenuto stretto per un altro po’.

Non annunciarono un’uscita ufficiale fissata per l’undici settembre perché probabilmente un po’ scaramantici lo erano anche loro, ma affidarono a Larry Carroll, quel Larry Carroll, l’australiano con la capigliatura di Stefano Mazza autore delle tre copertine che ben ricorderete, l’arduo compito di fare incazzare tutti con un disegno, o un riferimento, che si ricollegasse all’undici settembre: le teste galleggianti di Reign in Blood sovrastate da un Cristo mutilato con l’incisione jihad sul petto, su uno sfondo urbano devastato dalle guerre. Funzionò talmente bene che in India ritirarono e distrussero tutte le copie dopo soli due mesi di vendita.

Col tempo l’ho molto ridimensionato. All’uscita mi esaltò nella quasi totalità, fatta eccezione per i rimasugli modernisti di Jihad e Skeleton Christ. Dave Lombardo fu tenuto un po’ sotto controllo: non il mitragliatore a briglia sciolta di South of Heaven, lo avrei maggiormente apprezzato nel successivo World Painted Blood proprio in virtù della libertà concessa ai suoi celebri passaggi sui rulli.

Flesh Storm fu una bella iniezione di fiducia. Tanto avevamo detto che Bitter Peace fosse la nuova Hell Awaits che ci ripetemmo, e arrivammo ad azzardare che questa fosse la nuova War Ensemble. Avevamo bisogno di nuove icone, di nuovi titoloni ai quali inneggiare: non so davvero spiegarmi certi atteggiamenti in altro modo. Il singolo Eyes of the Insane ebbe un discreto successo ma non mi piacque affatto, gli preferii di gran lunga Bloodline. Tolta l’intro ipnotica di Catatonic e l’annesso fill di batteria, tra i pochi semplici eppur memorabili del disco, il resto fu un assalto pressoché frontale. La velocissima Consfearacy e Catalyst, finalmente col suo surplus di violentissime rullate, e, nel finale, Black Serenade e i blast beat evitabilissimi di Supremist. Tutto quanto in piena velocità, riallacciandosi più ai riff estremi di Divine Intervention che alle irripetibili annate d’oro.

Perché questo? Perché la vena estrema degli Slayer di mezzo e del finale di carriera era il frutto della penna di Kerry King, che scrisse buona parte di Divine Intervention e del titolo in oggetto. Semplice. Bisogna tornare a Diabolus in Musica per individuare un contributo più consistente di Jeff Hanneman. Il piatto forte fu Cult, riproposta niente meno che allo Henry Rollins Show, probabilmente l’unico brano di Christ Illusion che in una ipotetica scaletta vorrei vagamente poter sentire dal vivo. Nessun capello strappato in caso contrario, sia chiaro.

Un album più che decente, se riletto e risentito vent’anni dopo l’ubriacatura del 2006. Un album, probabilmente, con meno idee di World Painted Blood, ma con più benzina in serbatoio di quanta ne avremmo ritrovata tre anni più tardi, come ad accertare che sì, ne eravamo follemente innamorati, ma gli Slayer erano già nel pieno di un declino che sarebbe culminato nella morte del loro elemento più significativo. (Marco Belardi)

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Capisaldi 2021

"Per gli 2021 gli auspici stanno a zero" e infatti l'unico vero ed autentico caposaldo dell'anno che si chiude è la grottesca, disastrosa, gestione della pandemia di Covid-19 alle nostre latitudini.

Era prevedibile che sarebbe andata a questo modo, ma consciamente nessuno riteneva possibile che la propria esistenza si trasformasse in un teatro dell'assurdo.

Merito della criminale scelta di convivere con il virus, che oltre a 137 mila morti, ci ha consegnato la completa desertificazione della nostra società, che si dibatte nel rifiuto dell'orrore scaturito dall'essere chiamata a confrontarsi con una crisi che è di civiltà.

La musica, più di tante altre forme artistiche popolari, questa crisi l'ha anticipata da tempo e in questi 12 mesi lo ha palesato in maniera inoppugnabile a più riprese. Quella più cristallina, è certamente legata alla "bolla" Maneskin, su cui altri si sono espressi in maniera impeccabile e a loro rimando.

Oltre questo, poco altro:

- un nuovo confronto con gli Slayer in cui Reign in Blood è apparso alle mie orecchie il capolavoro di cui ho sempre sentito parlare;

- i Type O Negative con Slow, Deep And Hard, uno degli ascolti più malati che la mia memoria ricordi;

- i Refused di The Shape Of Punk To Come, ascolto dell'anno insieme ai precedenti Type O Negative;

- i Bowery Electric di Lushlife un disco che pare l'istantanea dell'alienata malinconia che pervadeva il mondo occidentale pre-pandemico.

Per tutti i casi citati mi viene da parlare di ascolti rivolti allo ieri, mentre l'oggi appare criptico ai più e il domani imperscrutabile quasi a tutti.

In questi giochi di chiaro-scuri che sembrano volgere alla tenebra, è ironico che la luce sia giunta da John Carpenter con pellicole e relative colonne sonore come Essi vivono ed Il seme della follia.

Slayer - 2001 - God Hates Us All

Ciccio Russo: Adoro God Hates Us All ma ritengo che goda di una fama sproporzionata ai suoi effettivi pregi, grossomodo nella stessa misura in cui Diabolus In Musica viene spesso screditato in modo ingeneroso. Parte del merito è di Disciple, un brano d’apertura talmente clamoroso che quasi consente al resto del disco di campare di rendita. Gli altri picchi veri non sono poi molti. New Faith, dove il pur cattolicissimo Araya sembra sul serio posseduto da Satana. Bloodline, scritta per la colonna sonora di Dracula 2000, la cosa più vicina a un singolo che gli Slayer abbiano mai scritto. E la micidiale chiusura affidata a Payback, che recupera l’allucinante parossismo di una Dittohead. Il resto funziona benissimo, per carità, ma vive più di lampi estemporanei (il sinistro crescendo di Seven Faces, che richiama i momenti più psicotici di Divine Intervention) che di un’ispirazione davvero ritrovata rispetto all’ingiustamente vituperato predecessore. La differenza la fa Matt Hyde che, con il passo di lato di Rick Rubin qua solo produttore esecutivo, impone un suono frenetico e hardcoreggiante che tiene ben presente quanto fatto su Undisputed Attitude e dona più coerenza ai flirt col nu metal.

Va poi considerato il contesto storico. All’epoca di Diabolus in Musica il metal era ancora preda di una colossale sbronza di innovazione e ogni mese sembrava dover nascere un nuovo genere. Gli Slayer, che già avevano incorporato alcuni elementi delle nuove tendenze, fecero quindi la figura dei vecchi che rincorrevano i giovani col fiatone nel tentativo di restare al passo. Quando uscì God Hates Us All la situazione si era già ribaltata. Due settimane prima gli Slipknot avevano pubblicato Iowa, un disco duro da digerire, prolisso e noioso, per certi versi ammirevole nella sua anticommercialità, con il quale coloro che avrebbero dovuto diventare i nuovi re mancarono in modo clamoroso l’appuntamento con la storia e l’intero movimento nu metal dimostrò quanto corto avesse il respiro. God Hates Us All vinse la sfida tra antico e moderno su tutta la linea e sullo stesso terreno. Fu però in quel momento che il metal smise di potersi permettere vere ambizioni mainstream, iniziò a esaurire la spinta creativa e si incamminò verso la dimensione di circoletto sterile e autoreferenziale che è in parte oggi. Da questo punto di vista, fu un 11 settembre anche per la musica che amiamo.

Stefano Mazza: God Hates Us All è un disco intenso, veloce, pesante, perentorio, insomma è un disco dei migliori Slayer di sempre, tanto da aver segnato un nuovo punto di riferimento per il metal del XXI secolo: è una fila di canzoni che scorrono senza respiro e senza tregua per chi ascolta. La violenza sonora che emerge è data da diversi fattori: a livello compositivo, dall’uso esperto della atonalità, in cui gli Slayer sono sempre stati maestri sia nell’armonia che negli assoli; a livello vocale, Tom Araya praticamente non canta, ma grida e declama, tanto che in alcuni brani fa quasi un rap (esempio: Threshold); a livello di produzione, da un’incisione rumorosa, ma comunque precisa e sempre riconoscibile. Tutto questo contribuisce a rendere God Hates Us All il capolavoro di metallo duro e purissimo, è il Reign in Blood del 2000. E poi, c’è Disciple, che è una canzone che è andata oltre il disco, che poteva anche essere pubblicata da sola e da vent’anni è uno di quegli inni immortali che risuonano nella testa di ogni metallaro, al momento giusto. A proposito di momento giusto, God hates us all uscì proprio martedì 11 settembre 2001.

Griffar: A mio parere l’ultimo album degli Slayer che valga la pena comprare, e sia ben chiaro che io per questi quattro ceffi ho sempre avuto una venerazione smodata. Reign in Blood è in cima alla mia lista dei thrash metal album di sempre, giusto per dire. Sono stati la prima band che ho visto dal vivo (Milano, 1990). Quando è morto Hanneman non faccio alcun mistero di essermi messo a piangere. Una parte della mia vita se n’era andata, poche palle.

Viene insultato e vilipeso dalla critica con regolarità e tenacia stupefacenti, ma questo album vomita odio fin dal titolo fino alla fine di tutti i suoi 43 minuti scarsi di durata. Di solito gli si imputa il fatto di avere troppe contaminazioni nu metal al suo interno, anche se, per coerenza, molti di questi detrattori dovrebbero ammettere che sono stati i gruppi nu metal ad essere influenzati dagli Slayer e non viceversa. Non potevano rifare Divine Intervention perché nessuno glielo avrebbe perdonato, ma Tom Araya canta in God Hates Us All preciso preciso a come ha fatto nel suo predecessore, anch’esso criticatissimo all’uscita anche se poi è stato rivalutato in modo praticamente unanime. Qui Hanneman e King tirano giù riff di puro impatto, come in molte delle canzoni di Divine Intervention, e Bostaph non fa rimpiangere Lombardo, anche se i pezzi sono più rocciosi che sparati a mille.

Nei brani di God Hates Us All sento tantissimo gli Slayer che hanno composto Divine Intervention, ma con brani più incattiviti: non necessariamente velocizzati, proprio incattiviti, come solo un gruppo della ferocia degli Slayer avrebbe potuto fare dopo il non riuscitissimo Diabolus in Musica. È un disco che proclama al mondo intero: “Ehi, siamo tornati, siamo gli Slayer e spacchiamo culi. E lo facciamo da molto tempo prima di voi. Cercate di non dimenticarvelo”. Persino la intro Darkness of Christ mette voglia di mordere il primo malcapitato che ti passa accanto e staccargli una mano. Così, in amicizia. In fin dei conti lo odiavi, no? Ed è uno pseudo-brano da un minuto e mezzo. I primi quattro brani veri Disciple, God Send Death, New Faith e Cast Down sono il manifesto dell’odio messo in musica. Uno in fila all’altro, non ascoltateveli in macchina nel traffico o in una coda in autostrada perché poi finite sui giornali. War Zone e Payback, tra gli altri, regalano a noi Slayer-maniaci perle che da parte loro non abbiamo più ascoltato, non a questi livelli. Sacramenti, quanta cattiveria! Del resto Dio ci odia tutti, e non perde occasione di ribadircelo, tra l’altro. Obbligatorio.

Marco Belardi: Compie vent’anni uno dei dischi più rumorosi della storia, un boato, un’esplosione. È tutto fuorché un disco nel senso stretto del termine, God Hates Us All. È una di quelle esperienze da fare in un’unica soluzione, senza interruzioni, coi volumi al rialzo ben sapendo che quei quattro sadici di Araya, Hanneman, King e Bostaph, l’album, l’avevano mixato in modo tale che nuocesse gravemente alla salute, se riprodotto a volumi ai quali noi tutti ci s’era abituati. God Hates Us All fa un casino della madonna e lo fa tre anni oltre i timori su Diabolus in Musica. Anticipato da Stain of Mind, l’album del 1998 generò un mezzo flop, e, in più di un occasione, si fece rivalutare in là col tempo. Era calcolato, oscuro, eccessivamente controllato. Mancava di furia cieca anche dove poteva farne sfoggio, come in Point. God Hates us All al contrario è completamente fuori controllo, tanto che riconosco gli Slayer ricchi di ogni loro peculiarità fin qui, e non un attimo più tardi. L’evoluzione degli Slayer muore con God Hates Us All, la creatività, la voglia, muoiono pure quelle. Coloro che affermarono che gli Slayer – dal 1994 in poi – fossero scivolati nella cosiddette fase hardcore, sorrisero beffardi all’uscita di God Hates Us All o ebbero ragione con un certo ritardo.

Il disco è squisitamente permeato d’una ferocia hardcore riconoscibile in ogni urlo di Araya, fischio, deflagrazione. Paul Bostaph caccia fuori la sua miglior performance di sempre dopo quella di Divine Intervention, lasciato libero di rullare e rullare ancora dopo l’ordinata performance di tre anni prima. Il difetto di God Hates Us All, il motivo per cui l’ho sensibilmente rivalutato al ribasso, restituendo piuttosto aggiuntivo valore a Diabolus in Musica, è che ha troppe canzoni e troppi filler. Letale fino ad Exile, e inattaccabile persino negli episodi più moderni (Cast Down e Threshold, che groove e che ingresso di batteria per quest’ultima), ci presenta poi l’oscura Seven Faces sulla scia di certe cose presenti in Diabolus in Musica, per poi sparare un singolo (Bloodline, che all’epoca fece incazzare diversi di noi, ma è irresistibile) e infine crollare. Segue un terzetto di qualità infima, prima che Payback concluda l’opera con velocità e furore e un riff un po’ troppo debitore nei confronti di Angel of Death. Disciple la miglior canzone degli Slayer dal 1991 in poi, travolgente in ogni sua fase. Sebbene le foto promozionali dell’epoca, in occhiali scuri che definiremmo war metal, tradissero un fisiologico invecchiamento, in God Hates Us All percepii gli Slayer come giovani per un’ultimissima volta per poi godermeli al Tattoo the Planet in forma smagliante, in ovvio ritardo per i recenti fatti relativi alle Torri Gemelle.

L’incessante urlo “USA” ad Araya a mezzo d’un pubblico che gli Stati Uniti li aveva da una parte un po’ invidiati, dall’altra odiati senza mezzi termini; la bandiera lanciata ad Araya e aperta da un commosso frontman; i parastinchi con le croci rovesciate. Non dimenticherò mai niente di quella serata, dell’attesa per questo emblematico disco di rottura o di rinascita, e del momento in cui lo estrassi dal blasfemissimo e lucente, bianco digipack. Che cazzo di tempi.

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Slayer - 1986 - Reign In Blood

Settembre 1985: gli Slayer sono impegnati a New York nell’ambito di una rassegna al CMJ New Music Seminar. “Hell Awaits”, il loro disco più recente, era uscito nel marzo di quello stesso anno, rivelando una formazione molto più compatta e creativa di quella che, due anni prima, aveva esordito con “Show No Mercy”, disco ancora acerbo e influenzato dalla “New Wave Of British Heavy Metal” (NWOBHM). Quella sera, tra il pubblico, c’è anche il produttore Rick Rubin, all’epoca reduce dalla realizzazione di “Radio” di LL Cool J e ormai prossimo a portare a termine i lavori di un altro caposaldo dell’hip-hop di quegli anni, “Licensed To Ill” dei Beastie Boys. Personaggio eccentrico, Rubin aveva fondato, quando era ancora al college, l’etichetta Def Jam, coltivando anche un’insana passione per le sonorità musicali più estreme, dal punk al metal.

L’amico Peter Daugherty, che lavorava per Mtv, gli aveva da poco fatto ascoltare i Red Hot Chili Peppers, ma Rubin aveva fatto spallucce, dato che il suo desiderio era quello di ascoltare roba molto più pesante. Quel desiderio si realizzò proprio al CMJ New Music Seminar e per la precisione quando sul palco salirono gli Slayer. La loro performance spazzò via quella dei Megadeth, degli Exodus, degli Anthrax e di tutti quelli che provarono a dire la loro in fatto di thrash durante quella sera di fine estate.

Qualche settimana dopo, Rubin comprò una copia di “Hell Awaits” in un negozio di dischi newyorkese. Caso volle che, durante uno scambio di battute sulla band con il commesso Scott Koenig, Rubin scoprisse che si trattava di un loro amico. Senza battere ciglio, chiese a Koenig di incontrare la band, adducendo una motivazione piuttosto convincente: per loro, era già pronto un contratto discografico. L’incontro avvenne alla fine di un concerto che gli Slayer tennero a L’Amour di Brooklyn. Mollata la loro vecchia etichetta, la Metal Blade, Tom Araya, Kerry King, Jeff Hanneman e Dave Lombardo si imbarcarono nell’avventura musicale che li avrebbe condotti al loro capolavoro assoluto, "Reign In Blood", universalmente riconosciuto come uno dei dischi metal più importanti e influenti di sempre.

Ma andiamo per ordine.

Nato nel 1961 a Viña del Mar, in Cile, Tomás Enrique Araya Diaz aveva raggiunto gli Stati Uniti, per la precisione Los Angeles, quando aveva appena cinque anni. Stuzzicato dal fratello Cisco, che si dilettava a suonare la chitarra, a otto anni imbracciò il basso e cominciò a darci dentro con le scale, prima di iniziare a suonare qualche brano dei soliti Beatles e Rolling Stones. All’età di circa vent’anni, Araya (all’epoca impegnato a suonare rock con un gruppo chiamato Tradewinds e, quindi, Quits) conobbe il chitarrista Kerry King (1964), che lo invitò a suonare nella sua band. King, che aveva passato gli ultimi anni tra lavoretti di fortuna e il desiderio ossessivo di suonare in una band, si era guadagnato la reputazione di chitarrista di talento e durante quei giorni era solito fare delle jam con un altro chitarrista, Jeff Hanneman (1964), e con il batterista Dave Lombardo (1965).

Il primo proveniva, al pari di King, dai sobborghi di Los Angeles, mentre il secondo era nato a L’Avana e aveva lasciato Cuba quando aveva solo due anni, per raggiungere la California, dove frequentò una scuola privata cattolica, le cui tediose lezioni cercò di dimenticare suonando i bonghi. Appena nati, gli Slayer fecero di tutto per farsi conoscere in giro. Fu soprattutto nell’ambito delle scuole del circondario che la band diffuse volantini e fece la voce grossa con concerti organizzati alla meno peggio. Erano violenti e precisi e questo i metallari che andavano a sentirli lo notarono subito.

All’epoca, infatti, molte formazioni o avevano un sound robusto e violento oppure erano dotate tecnicamente ma non erano capaci di incidere veramente in termini di assalto sonoro. Combinando entrambe le cose, gli Slayer (che avevano nel batterismo esplosivo di Lombardo e nel picking precisissimo di King le loro armi migliori) divennero immediatamente un’attrazione per quanti avevano fatto del metal una ragione di vita.

Cominciarono anche a scrivere qualche brano originale, ma senza molta convinzione. C’era, infatti, ancora un po’ di confusione sulla direzione da prendere. Tutti e quattro erano cresciuti ascoltando l’hard-rock che durante gli anni Settanta aveva guadagnato una buona fetta di pubblico tra i più giovani, ma alla fine di quel decennio, con l’avvento della NWOBHM, le loro orecchie si erano lasciate poi incantare dalle sonorità di Judas Priest e compagnia bella. Ma furono i Venom, con la loro malefica fusione di Motörhead e Black Sabbath, a influenzare profondamente i quattro.

A partire dal 1982, anno della pubblicazione dello storico “Black Metal”, la formazione inglese divenne un vero e proprio faro per gli Slayer, incidendo profondamente sulla loro estetica, che da quel momento in poi iniziò a percorrere i sentieri del satanismo. Tuttavia, anche l’hardcore-punk fece la sua parte. Finì così che, un bel giorno, Jeff Hanneman si presentò alle prove con la testa rasata e qualche cassetta piena zeppa di siluri sonori. Quella musica piacque anche agli altri membri della band, per cui, man mano che scrivevano pezzi nuovi, si accorsero che, oltre alla violenza e alla precisione, una buona dose di velocità era proprio quello di cui avevano bisogno. Durante un concerto al Woodstock Theater di Anaheim, gli Slayer furono notati da Brian Slagel, un grande fan dell’heavy metal britannico e dei Venom, che da qualche tempo si divertiva a buttare giù le sue ossessioni per quella musica nella propria fanzine “The New Heavy Metal Revue” e attraverso la Metal Blade, un’etichetta discografica che stava dando spazio ad alcune formazioni metal e rock della zona di Los Angeles attraverso “Metal Massacre”, una serie di compilation il cui primo volume raccoglieva anche “Hit The Lights” degli allora giovanissimi Metallica.

Messo nero su bianco sul contratto della Metal Blade, gli Slayer esordirono nel 1983 con “Show No Mercy”, un debutto che gridava al mondo tutta la loro passione per quella fusione di hardcore e metal satanico di cui si è già detto. Il retaggio NWOBHM era ancora pesante (soprattutto nel lavoro chitarristico di King e Hanneman), ma la band scorrazzava a velocità sostenuta, mostrando tra le righe una personalità sul punto di esplodere. Le reazioni della critica furono discordanti, ma il disco fece segnare un discreto successo per la Metal Blade (15mila furono le copie vendute), cosa che spinse gli Slayer a non abbassare la guardia. L’Ep “Haunting The Chapel”, uscito l’anno successivo, mostrò un’invidiabile maturazione sia in fase di scrittura che di esecuzione, trasformando la band in un potentissimo meccanismo di brutalità e velocità, cosa confermata, di lì a poco, dalla pubblicazione di “Live Undead”.

Curiosamente, nel 1984 King militò brevemente anche nei Megadeth di Dave Mustaine, una mossa che fece temere a Hanneman di dover cercare un nuovo chitarrista per la band. La vicenda e il suo sviluppo, che porterà a un attrito fra le due formazioni che faticherà a placarsi oltre trent’anni dopo, ci racconta qualcosa del ruolo che gli Slayer hanno scelto di rivestire nell’ambito del thrash-metal. Sicuramente gli Slayer dovevano conoscere i classici che ispirano i primi vagiti del thrash-metal, dall’iconica “Symptom Of The Universe” dei Black Sabbath alla paradigmatica “Am I Evil?” dei Diamond Head, ma tutta la loro attenzione si concentrerà sugli aspetti più violenti del primo thrash-metal, abbandonando velocemente gli elementi settantiani che pure permangono nei primi lavori dei già citati Megadeth, Metallica e Anthrax.

L’estremismo che ammalia gli Slayer dopo i primi due album è lo stesso che muove altre importanti realtà del metal estremo quali i Bathory o i Mayhem, ai quali i losangelini si accomunano non tanto per lo stile musicale quanto per l’immaginario mefistofelico e sulfureo. Se volessimo usare un’analogia chimica per spiegare con un’immagine lo stato dell’estremismo metallico all’altezza del biennio 1984-85, potremmo definirlo il “punto triplo” del genere: è il momento in cui coesistono in instabile equilibrio tendenze al passato hard’n’heavy che (ri)portano al glam-metal, propaggini di thrash-metal che poi diverrà istituzionale e una terza, esoterica, via verso un estremismo più radicale e incompromissorio. Gli Slayer percorreranno proprio questa terza via, ma lo faranno senza mai uscire totalmente dal proprio ambito thrash-metal, semmai esplorandone il confine ultimo e indicando ad altri la direzione.

Tale direzione è molto diversa da quella dei sodali del thrash-metal statunitense ai quali sempre sono accomunati, attraverso il topos dei “Big Four”. Se i Metallica sono inizialmente mossi da consistenti tendenze all’estremismo di una rabbia viscerale, si veda il fondamentale esordio “Kill’ Em All” (1983), è anche vero che nel giro di altri due album, all’altezza del capolavoro “Master Of Puppets” (1986), hanno già incanalato quella violenza adolescenziale, eminentemente hardcore-punk, in una forma molto più lambiccata, sontuosa e progressiva. Nel loro terzo album, i Megadeth di Dave Mustaine dimostrano che quel che risultava ancora truculento agli esordi era soprattutto una questione di produzione e di inesperienza agli strumenti, visto che “So Far, So Good... So What!”, il terzo album, è un concentrato di velocità e virtuosismi chitarristici che ha poco o nulla dell’urgenza dei primordi. Un discorso simile si può articolare con gli Anthrax, inizialmente i più attempati e quindi, nel giro di tre album, giunti a un esaltante, e anche ironico e fumettistico, proprio modo di intendere il thrash-metal.
Nessuno degli altri “big”, insomma, intraprende la strada che dalla violenza, l’urgenza, la visceralità tipica di un esordio porta verso un’esaltante sublimazione di quel primo sussulto, un compimento definitivo di quella prima ondata di esaltante, epidermica aggressività. Ottenuti i mezzi tecnici ed economici, gli altri celebri gruppi thrash-metal statunitensi scelgono di utilizzarli per rifinire la materia sonora, dettagliare le composizioni o ampliare lo spettro stilistico.

Non a caso, per individuare delle formazioni con evoluzioni simili si ha poca fortuna a rimanere nel continente americano, anche allargando ad altre formazioni con una certa celebrità, quali Testament, totalmente epurati da ogni scoria di malvagità fra “The Legacy” (1987) e “The New Order” (1988), o Exodus, che pure qualche flessione in termini di estremismo la registrano fra l’esordio del 1986 “Bonded By Blood” e una cover dei War di Eric Burdon nel 1989.

In molti altri casi, le vicende hanno portato a poter solo immaginare quale sarebbe stata la reale evoluzione, sul lungo periodo, di alcune formazioni del thrash-metal più estremo, quali i Possessed, che sforneranno il terzo album solo nel 2019, o i Dark Angel, titolari del bestiale “Darkness Descends” (1986) ma sostanzialmente esauritisi poco dopo, anche a causa di un successo mainstream mai arrivato.

In Europa, e non negli Stati Uniti, l’interpretazione del thrash-metal come viatico verso un estremismo senza compromessi era invece ben più diffusa, grazie a formazioni senza compromessi, come il trittico tedesco di Sodom, Kreator e Destruction, o ancora l’esperienza degli svizzeri Hellhammer (poi confluiti negli sperimentali Celtic Frost). In questi casi non solo si parla di realtà ben meno influenti sull’andamento del metal in generale, anche a causa di mercati nazionali assai più modesti rispetto a quello statunitense, ma che avrebbero visto nell’esempio degli Slayer una chiara fonte d’ispirazione. Volendo semplificare, si può ricondurre l’estremismo thrash-metal europeo proprio al modello degli Slayer, se non nei risultati ultimi quantomeno nelle ispirazioni.

Fondamentale, poi, è la questione non solo del cosa venisse suonato, ma del quando: se pure esiste qualcosa di assimilabile agli Slayer, quasi sempre nasce dopo che Araya e soci hanno già consegnato alla storia il loro buon esempio. È, in altre parole, la dimostrazione del loro impatto sulla scena metal, quello di generare con i loro album più celebrati una nutrita schiera di ammiratori, che senza vergogna si ispirano al modello prescelto. Il quando, si diceva, è di grande importanza, e nel nostro caso l’anno da cerchiare in rosso è il 1986. Gli Slayer concordano con il produttore e manager Brian Slagel che il seguito di “Hell Awaits” può essere il loro lavoro della svolta, anche perché il mercato è maturo e la richiesta di formazioni thrash-metal è più florida che mai. Si curano allora i dettagli per assicurarsi che niente sia lasciato al caso, con tanto di photo-shoot professionale e l’elaborazione della giusta copertina, a firma di Larry Carroll, diventata nei decenni una delle più apprezzate e iconiche del metal tutto. La band si ritrova con Rick Rubin e l'ingegnere Andy Wallace all’Hit City West di Los Angeles e inizia a esplorare la terza via di cui si è detto sopra: invece di arretrare sulle tendenze estreme, sfrutta una produzione professionale per spingere al massimo sulla velocità senza perdere un grammo di violenza.

La ricerca dell’intensità è quello che guida la formazione durante le registrazioni in studio nei mesi di giugno e luglio del 1986, tanto che i brani sono suonati alla massima velocità, aggirandosi sulla vertiginosa media dei 220 battiti per minuto, e spogliati di ogni ripetizione superflua. Quando concludono il mixing, la lancetta si ferma dopo appena 28 minuti e 55 secondi, tanto che la formazione incontra Rubin per valutare di aggiungere qualche altro pezzo per allinearsi agli standard delle altre formazioni. Per fortuna, niente ha diluito la densità della materia sonora, e così il 7 ottobre 1986, dopo alcuni ritardi dovuti al rifiuto di Columbia di distribuire l’album a causa di alcuni riferimenti al gerarca nazista Joseph Mengele, il terzo album degli Slayer, “Reign In Blood”, arriva nei negozi distribuito dalla Geffen.

Quello che molte band dell’epoca stavano ancora inseguendo (condensare, in una serie ispirata di brani, velocità d’esecuzione, strutture riconoscibili e tecnica), gli Slayer riuscirono a realizzarlo alla grande. Intorno al 1986, poco prima che uscisse l’epocale “Scum” dei Napalm Death (la fondazione del grindcore, per intenderci), diverse erano state le band di area metal e hardcore (anche in Europa) che avevano fatto della velocità il loro vessillo. Ma i risultati erano stati tutt’altro che memorabili. Anche il nome con cui, in certi casi, quella musica sparata a velocità supersonica veniva indicata (“chaoscore”: i brasiliani Brigada Do Odio e gli olandesi Lärm sono i primi nomi che ci tornano in mente) suggerisce l’idea di musicisti alle prese con qualcosa che, in fin dei conti, andava oltre le proprie possibilità.

Ma gli Slayer che entrarono agli Hit City West per incidere il loro terzo disco erano ormai diventati una macchina perfetta. Brutali, velocissimi, precisi. Esplosero nelle orecchie degli appassionati di metal come una bomba intelligente.

Le registrazioni di “Reign In Blood” durarono un paio di mesi, tra il giugno e il luglio di quello che, ancora oggi, viene ricordato come l’anno d'oro del thrash-metal. Lo studio Hit City West si trovava in una zona residenziale a Ovest di Hollywood e tutti i giorni il primo ad arrivare era sempre Lombardo (all’epoca, l’unico della band ad aver messo su famiglia), di solito seguito da Rubin.

Conosciuto negli ambienti musicali come “il produttore fantasma”, perché solitamente andava a farsi un giro mentre le band erano impegnate a mettere su nastro le proprie idee, quella volta Rubin decise che avrebbe fatto un’eccezione, dimostrando che sugli Slayer non aveva scommesso così per puro caso. Seduto su di un divano, con le mani giunte e gli occhi chiusi, Rubin seguì così con attenzione tutte le fasi delle registrazioni, ogni tanto dando qualche consiglio a quelli che apparivano ormai come dei musicisti più che smaliziati.

Nelle retrovie, l’ingegnere del suono Andy Wallace si limitò invece a fare quello che Rubin gli diceva di fare, il che potrebbe essere riassunto più o meno così: un suono asciutto, senza riverbero (“il riverbero appassisce il suono”, era una delle massime preferite di Rubin) e, soprattutto, aggressivo come un pugno in faccia. Anzi, l’ascoltatore doveva avere la sensazione di essere nel bel mezzo di un incontro di boxe, solo che lui (lo spettatore, si intende) faceva da sparring partner...

Chitarre e basso furono quasi sempre registrate dal vivo in studio, e ciò fu possibile perché la band aveva ormai raggiunto un invidiabile livello di affiatamento, frutto dei tanti concerti macinati in giro.

Rubin voleva più assoli, ma i due chitarristi non gliela diedero vinta. Hannemann avrebbe poi ricordato, con il sorriso stampato sulle labbra, che, se fosse stato per il barbuto produttore, su “Reign In Blood” non vi sarebbe stata alcuna traccia di chitarre ritmiche, ma solo di assoli e ancora assoli. Per fortuna, le cose andarono diversamente, come si può sperimentare una volta che la puntina viene lasciata andare lungo i solchi concentrici del vinile.

Il primo innesco, “Angel Of Death”, alterna groove thrash a vertiginose accelerazioni, mentre tutto intorno si disegnano i contorni dell’Angelo della Morte. Un anno prima che il disco vedesse la luce, alla fine di lunghe serate passate tra un party e l’altro insieme ad Araya, Hanneman era solito passare il tempo nella propria stanza a leggere libri su Josef Rudolf Mengele, il medico criminale nazista che si era macchiato di crimini efferati conducendo esperimenti medici e di eugenetica su cavie umane (anche bambini) nel campo di concentramento di Auschwitz. Il modo freddo e distaccato con cui Hanneman descrive nel testo quegli esperimenti lasciò increduli anche molti aficionados della band. Ma a Hanneman non interessava tanto dare un giudizio (a suo dire, era scontato condannare quelle atrocità) quanto piuttosto mostrare, senza filtro alcuno, l’orrore. Così, quando Araya, dopo l’urlo iniziale in high-pitch (un’aggiunta dell’ultimo momento: c’era qualcosa che mancava nella take prescelta dalla band, così Hanneman chiese ad Araya di gridare, di gridare nel modo più forte possibile), pronuncia le prime parole del disco (“Auschwitz, the meaning of pain/ The way that I want you to die”), piombiamo nel bel mezzo della mattanza thrash che gli Slayer avevano così certosinamente preparato. E la sensazione di essere dinanzi a un capolavoro è già nitidissima.

Non si esce dall’incubo con “Piece By Piece”, un brano che supera appena i due minuti di durata, laddove il precedente si spingeva quasi alle soglie dei cinque. “Piece By Piece” si materializza con cadenze arcigne, prima di precipitare in una vorticosa galleria di decapitazioni, corpi smembrati, arti decomposti e via di questo passo. “Modulistic terror/ A vast, sadistic feast/ The only way to exit/ Is going piece by piece”, i primi versi di quello che è, a tutti gli effetti, un concentrato di thrash-metal al fulmicotone, forte della straordinaria dialettica chitarristica della coppia Hanneman/King e di una sezione ritmica che tesse la propria tela metronomica senza perdere un colpo, anzi puntellando splendidamente, all’altezza degli ottanta secondi, uno stacco carico di groove che è pura euforia prima del rettilineo finale.

Dopo un brano a firma del solo Hanneman (“Angel Of Death”) e uno approntato dal solo King (“Piece By Piece”), “Necrophobic” suggella la collaborazione dei due, su cui si regge tutta la scrittura di “Reign In Blood”. Del trittico iniziale, “Necrophobic” è il brano più veloce e anche quello più breve (1:40), quasi a voler simboleggiare la volontà di contrarre nel più breve tempo possibile potenza e velocità d’esecuzione. Il risultato è devastante: le chitarre sono mulinelli di elettricità impazzita (con il picco rappresentato da uno degli assoli più eccitanti del disco), la batteria un tornado geometrico (per alcuni, è qui che Lombardo ha offerto in assoluto la sua performance più efficace), le parole di Araya quelle di una malefica entità che enumera diverse tipologie di torture e modi di morire, a sottolineare ancora la forte impronta “gore” che pervade, da cima a fondo, tutto il disco.

Con “Altar Of Sacrifice”, i tempi rallentano, ma la combinazione di martellamento thrash, assoli allucinati e geometria del Male è ancora efficacissima. Si tratta del brano più scopertamente satanico del disco. In decelerando, “Altar Of Sacrifice” lascia dunque spazio a “Jesus Saves” (una feroce condanna della religione come potere organizzato), la cui prima parte è tutta giocata su una panoramica digressione in odore di sludge, prima di staccare su nuove e incendiare traiettorie strumentali, ma questa volta con un approccio più simile a quello di una band hardcore alle prese con un’indiavolata slam-dance, in cui le parole di Araya smettono di essere semplici veicoli di significati per tramutarsi in pallottole. Per la cronaca, il brano ripesca alcuni riff già comparsi in “Ice Titan”, registrato dalla band nel 1982.

Se avete il vinile, a questo punto dovete girare lato e far partire “Criminally Insane”, che apre con batteria solitaria a passo marziale e procede cadenzata come un carrarmato in territorio nemico, tra riff rocciosi suonati all’unisono dalle due chitarre e il racconto dei piani di evasioni dal carcere di un maniaco che non risparmia di farci sapere che ha ancora progetti omicidi (“For my victims, no tomorrow”).

Prospettiva femminile (nello specifico, quello di una strega condannata al rogo che lancia minacce ai suoi carnefici) è quella assunta da “Reborn”, in cui riemerge l’animo più punk-hardcore della band. Nonostante sia uno dei brani meno suonati dal vivo, “Reborn” vive di una ferocia a tratti quasi insostenibile. Araya sputa letteralmente le parole dall’ugola (“Convicted witch, my life will end at midnight on the stake/ My dedicated life was spent to insubordinate”); Lombardo è una drum-machine fatta di carne e ossa; King e Hannemann due terroristi prestati alla sei corde, le cui rispettive traiettorie sonore sono giocate, qui, come un po’ lungo tutto il disco, più che su soluzioni eterodosse (per quanto l’utilizzo di accordi “fuori scala” in più di un’occasione possa far pensare a un approccio jazz), su una continua tensione tra bruta energia e versatilità.

Una spettacolare rullata di Lombardo suona la carica per “Epidemic”, un midtempo che mostra, se ancora ce ne fosse bisogno, quanto l’introverso batterista sia stato fondamentale nella realizzazione di “Reign In Blood”. Di epidemia, come da titolo, tratta il testo. Ma è un’epidemia che simboleggia una “malattia permanente”, una “macchina della morte” che infesta anche i cadaveri. E una macchina permanente sono gli Slayer, capaci, all’altezza dell’ottavo brano, di mantenere ancora la barra dritta, di non mostrare segni di cedimento, di macinare thrash-metal con la stessa spavalda enfasi con cui, qualche minuto prima, avevano annunciato al mondo che l’orrore di Auschwitz è ancora qui, tra noi. Ma non siamo ancora giunti alla meta. Manca il dittico finale: “Postmortem”/“Raining Blood”.

Il primo ricorda un po’ la struttura a due facce di “Jesus Saves”, procedendo da un granitico groove (con un riff la cui grinta strisciante è pari solo alla gelida sequenza di immagini di un testo incentrato sull’ignoto che si annida dietro la parola “morte”) verso l’ennesima accelerazione a rotta di collo (si presti attenzione alla cieca bestialità del tono vocale di Araya...), preparata da una digressione strumentale che evoca lo spettro del progressive.

Non-rising body from the grave
showing new reality
What I am, what I want,
I’m only after death

Il secondo brano, introdotto dallo scoppio di un tuono e dal suono di una fitta pioggia, a coprire come un sudario l’ultimo accordo di “Postmortem”, nasce in un’ambientazione sinistra, sabbathiana (Hannemann pare avesse in mente uno scenario metropolitano carico di sinistri presagi), prima che uno dei riff più selvaggi dell’intera storia del metal spinga lo sguardo verso la figura di Satana, seduta sul suo trono infernale, circondato da corpi impalati e assediato da una pioggia di sangue. La stessa che resterà da sola a riempire gli ultimi solchi del disco, non prima di aver ascoltato gli Slayer sfondare la barriera dei bpm, come un battaglione della morte cui non resta altro che consegnarsi alla leggenda.

Raining blood
From a lacerated sky
Bleeding its horror
Creating my structure
Now I shall reign in blood

Fonte

Mentre tutti cambiavano rotta, gli Slayer incisero Divine Intervention

Il mio primo pensiero una volta entrato qua dentro è stato, oltre a trovare le parole per descrivere Remains degli Annihilator su Avere vent’anni, che mi avrebbe fatto piacere buttare giù un articolo sia su Schizophrenia dei Sepultura, sia su quest’album. Diciassette anni fa, insieme ad altri amici, mi trovavo sulla webzine con la peggiore veste grafica d’Italia e ci venne in mente di aprire delle rubriche a tema: per esempio, una che riguardava album thrash metal che neanche le band stesse avevano il coraggio di riascoltare, mentre un’altra aveva il titolo di Underrated ed era concentrata su uscite che – per chi scriveva – valevano molto più della considerazione generale che il tempo aveva riservato loro. Appunto, due titoli rappresentativi da portare in quest’ultimo contenitore potevano essere esattamente quelli che ho appena menzionato.

Che poi, underrated un cazzo. Divine Intervention fu disco d’oro in Stati Uniti e Canada, debuttò all’ottavo posto nelle classifiche degli album più venduti del proprio paese, e fece a spallate su Billboard con robe come Superunknown, The Division Bell, Jar Of Flies e – ahimè – la malsopportabile colonna sonora de Il Re Leone. Fu anche tenuto in gran considerazione dalla Def American, che pretendeva ad ogni costo da Tom Araya e soci un singolo di successo perché così andava a quei tempi. Gli Slayer gli risposero “scrivetecelo voi, noi al limite lo suoniamo” e non parlarono più con l’etichetta della futura pianificazione degli album. Anche se in futuro, sotto sotto, a qualche piccolo e non troppo fastidioso compromesso sarebbero scesi eccome. Piacque un sacco praticamente a chiunque, Divine Intervention, al punto di tornare a registrare un concerto che includesse il materiale inedito (Live Intrusion, a pochi anni da Decade Of Aggression), stavolta azzardando il salto all’edizione video. Fu anche un disco incredibilmente “mediatico”: testi controversi e che fecero rivoltare le budella e gli avvocati di un sacco di persone, immagini di arti incisi col logo della band, l’acronimo Satan Laughs As You Eternal Rot recuperato dai tempi di Show No Mercy e quella celebre foto con King che portava ancora i capelli lunghi, spezzata su un lato, ovvero quello in cui avremmo trovato incollato un certo Paul Bostaph. 

Gli Slayer avevano di fatto reclutato un nuovo batterista, che alla prima prova con un gruppo di punta dopo i trascorsi nei Forbidden, venne subito chiamato a non far rimpiangere Dave Lombardo, appunto il frammento di immagine mancante. La sua prestazione fu impressionante, forse troppo accentuata dal mixaggio di Toby Wright di cui parleremo più avanti, e solo in Mind Control – il brano più classico e lineare dell’intero lotto – si sarebbe effettivamente sentita la mancanza del membro originale. Paul Bostaph – che era già un ottimo musicista – si sarebbe mantenuto per molti anni su ottimi livelli: a partire dalla relativa semplicità con cui ha dettato il ritmo in Diabolus In Musica, passando per l’energia sprigionata a palate in God Hates Us All, o dietro alle pelli di Exodus e Testament. Oggi la sua creatività è crollata ai minimi storici e basta sentire Repentless – il disco col titolo sbagliato e non solo – per rendersene conto. Questo, mentre Dave Lombardo è ancora lì che spacca culi a piacimento, dai Dead Cross ai Suicidal Tendencies, uscendo da schemi che in Christ Illusion lo avevano legato troppo, e che solo in World Painted Blood, grazie anche alla sua scarna produzione dal sapore quasi live, aveva finalmente spezzato. Non ho una particolare preferenza fra i due, sull’eterna disputa riguardo chi meritasse maggiormente questo posto, né mi considero al pari dei più un oltranzista “pro-Lombardo”: dico semplicemente che in Divine Intervention e fino a God Hates Us All, l’ex-Forbidden si rivelò semplicemente perfetto, e che proprio qui offrì la sua prova definitiva.

Oggi, in molti hanno rivalutato al ribasso Divine Intervention, a partire dalla band che, ci avrete fatto caso, non ne ripropone quasi niente dal vivo. Si parla soprattutto dell’album con la produzione sbagliata e non sono per niente d’accordo con ciò: di base i suoni del disco del 1994 erano potentissimi, spinti da bassi capaci di mettere paura. Dopo l’intermezzo ai limiti dell’heavy metal offerto da South Of Heaven e da certe cose di Seasons In The Abyss, la sensazione di “distacco” da quel periodo condito da materiale un po’ più soft – lo sviluppo di certe mid-tempo oscure, per esempio – fu netta. Il problema nel duo Rick Rubin / Toby Wright riguardò soprattutto il mixaggio: la differenza insensata nei volumi di Killing Fields con lo scorrere dei secondi, così come la batteria eccessivamente in vetrina e la sensazione di “impastato” relativa alle chitarre; tutti elementi che non aiutarono Divine Intervention ad affermarsi come un possibile Reign In Blood parte seconda, concetto che in un primo momento aveva pubblicizzato in prima persona la sua release. Divine Intervention spartisce col terzo album della band californiana soprattutto la tendenza alla velocità e quella al ridurne il minutaggio al minimo essenziale: non ha molto altro in comune con esso, un capolavoro immortale che rappresenta al meglio il concetto di perfezione per gli amanti del metal estremo e delle sue radici, ma è ad ogni modo uno dei tre loro album che preferisco. L’altro è Hell Awaits, perché dagli Slayer ho sempre preteso ritmi alti, oscurità e cattiveria a palate; e sebbene gli ultimi lavori con Lombardo fossero ottimi, uscivano comunque da queste coordinate che ritengo non solo necessarie, ma fondamentali. Fermo restando che consiglierei a chiunque Seasons In The Abyss per avvicinarsi al loro nome. Altro aspetto importante, e per alcuni limitante, il ridotto contributo di Jeff Hanneman alla scrittura dei brani: è significativo che fosse esclusivamente sua la firma su 213, perché sarà l’unico punto di incontro con certe corazzate del passato a velocità ridotta, come Spill The Blood o Dead Skin Mask. Ma nonostante un’intro ed un riff promettente, il pezzo sembra funzionare a metà.

Kerry King scrisse buona parte dell’album, fra cui interamente il capolavoro Dittohead, quella del videoclip in cui non si capiva un cazzo ma si godeva ugualmente una cifra. Due minuti e mezzo di durata, una prova spaventosa da parte di Bostaph ed un riff centrale semplicemente indimenticabile: thrash metal ai limiti dell’hardcore che ricordava vagamente – per attitudine, velocità ed energia sprigionata – un’altra perla quasi contemporanea, Strenght Beyond Strenght dei Pantera. Niente, la colpa di Divine Intervention sulla lunga distanza resta quella di avere innescato lo stile definitivo degli Slayer in pilota automatico, quelli che avevano terminato di evolversi con God Hates Us All per ritornare a pestare come fabbri, ma con l’anima ovviamente invecchiata; la sua forza è quella di suonare come il loro album più violento senza tenere conto delle radici ed essere realmente un Reign In Blood parte seconda. Divine Intervention era semplicemente sé stesso ed era estremo da far paura, in un periodo storico in cui le grosse major avevano fatto a pezzi tutti i “compagni di classe” degli Slayer, dirottandoli un po’ dappertutto e nella maggior parte dei casi con scarsissimi risultati.

Me lo sono goduto ancora una volta oggi, e riesce sempre a sorprendermi: quel singolo pazzesco che era Serenity In Murder, con la sua strofa catchy inserita in una delle composizioni più veloci della tracklist; il singolare ritmo che avviava SS-3 per poi lasciare posto al thrash metal totale ed ai rutti di Hanneman nel break centrale, oppure la classicissima Mind Control, uno dei pochi ponti con brani passati come Born Of Fire. La sottovalutatissima Fictional Reality condita da un break centrale irresistibile, oppure la devastante accoppiata che apriva il disco. Tutto di ottimo livello tranne la copertina, in linea con la tendenza ad utilizzare la grafica in maniere orribili tanto in voga in quegli anni; anche se forse non ho ancora capito che opinione ho di Circle Of Beliefs, eccessivamente lineare e con quella voce effettata di Tom Araya che proprio non sopporto. Dettagli, si tratta pur sempre di uno dei miei tre dischi preferiti degli Slayer nonchè di quello per cui provo il maggior affetto, perché in fondo, fu a metà fra la sua uscita e quella di Undisputed Attitude che li conobbi. (Marco Belardi)

Fonte

Silent scream

In morte di Jeff Hannemann

Sono venuto a conoscenza della dipartita di Jeff Hannemann con una certa leggerezza, un po' perché ormai da un pezzo sono fuori dal giro delle notizie di grido, un po' perché non ho mai provato un'affezione particolare nei confronti degli Slayer.
Dispiace comunque che se ne vada un valido compositore (che il proprio meglio l'ha comunque dato da un pezzo) e che un gruppo della caratura degli Slayer, tra lutti e rabbinate degne dei Metallica peggiori, rimanga azzoppato in modo piuttosto preoccupante.

Piece by piece